МУЗЫКА  На ударной волне

Прошло долгих 75 лет с тех пор, как барабанщик Джин Крупа (Gene Krupa) из знаменитого оркестра Бенни Гудмана (Benny Goodman) впервые выступил как солист наравне с другими участниками биг-бэнда. С его заводного соло на одной из первых в мире "стандартных" ударных установок (а играли они тогда старую добрую "Sing, sing, sing") началась новая эра в истории барабанного искусства. Эра ударников, вносящих в игру коллектива нечто большее, чем просто ритм.
Время от времени по миру колесит с гастролями нынешний состав оркестра Глена Миллера (Glenn Miller); каждый новый концерт доказывает, что можно не быть экзотическим этно-музыкантом и при этом делать из барабанного соло настоящее шоу, да еще и групповое. Необязательно для этого и играть джаз - это свойство вообще мало зависит от жанра музыки. И все же продолжают рождаться анекдоты про барабанщиков, чей мозг особенно ценен из-за его редкости в природе. Хотя бешеным успехом такие шутки пользуются чаще всего в среде людей, знакомых с качественной музыкой разве что по чужим рассказам, стереотип об ударнике как о "том парне в углу, не помню, как его зовут" все равно живуч, как легенды об Элвисе Пресли. Вероятно, все потому, что мало кто из барабанщиков действительно играет ведущую роль в группе.
Сегодня мы хотим немного поколебать этот стереотип и вспомнить ударников, чей разносторонний талант позволил им выйти из тесных рамок, уготованных барабанщику в любом музыкальном коллективе. Мы расположили музыкантов не в виде рейтинга, а в порядке исторической перспективы, что позволит читателю немного отдохнуть от клише.

1. Чик Уэбб (Chick Webb), The Harlem Stompers.
Уильям Генри Уэбб, а именно так на самом деле звали легендарного джазового барабанщика,- человек более чем уникальный. Судите сами: не зная ни единой ноты, он руководил величайшим биг-бэндом эпохи свинга, а Джин Крупа вспоминал их джазовые битвы: "Чик просто разорвал меня в клочья, я чувствовал себя ужасно маленьким перед ним" - это при росте самого Уэбба всего в 130 сантиметров! Травма позвоночника, полученная в раннем детстве, а также развившийся на ее фоне туберкулез оставили Уэбба на всю жизнь низкорослым горбуном по прозвищу Чик ("Малыш"). Однако у болезненного подростка взрослые охотно покупали газеты, и именно так Чик заработал на свои первые ударные.
В 1924 году Чик переехал из родного Балтимора в Нью-Йорк, где вскоре сколотил свой собственный квинтет The Harlem Stompers и стал регулярно участвовать в "битвах оркестров" в святая святых нью-йоркского джаза - гарлемском клубе Savoy Ballroom. Бэнд под руководством карлика-барабанщика? Ироничные улыбки улетучились, когда ребята Уэбба без особых усилий разгромили лучшие оркестры Нью-Йорка: Флетчера Хендерсона (Fletcher Henderson), Кинга Оливера (King Oliver), Фесса Уильямса (Fess Williams), Ллойда Скотта (Lloyd Scott) и Алекса Джексона (Alex Jackson). Самой серьезной стала победа над Бенни Гудманом (Benny Goodman), обладателем громкого имени и титула "короля свинга". С последним ему пришлось расстаться после баттла с Уэббом. К тому времени владелец "Савоя" Мо Гэйл уже понял, что такого шанса может больше и не представиться - и сделал оркестр Чика Уэбба собственным оркестром своего заведения. А это было невероятным успехом для чернокожего музыканта тридцатых.
Пожалуй, Чик Уэбб достиг всего, чего только может достигнуть джазмен в Нью-Йорке. Он продолжает играть в "Савое", успешно продвигает новое звучание свинга и "выводит в люди" звезду по имени Элла Фитцджеральд (Ella Fitzgerald). В 1939 году Чик Уэбб умирает от туберкулеза со словами "Извините, но я должен идти". После его ухода оркестр развалился за несколько лет, несмотря на все усилия Фитцджеральд и Гэйла. Много ли существовало команд, распавшихся после смерти ударника?

2. Арт Блэйки (Art Blakey), Jazz Messengers

Еще одна ключевая фигура джаза, Арт Блэйки, барабанщиком стал во многом благодаря стечению обстоятельств. Изначально он учился играть на пианино и, если бы владелец ночного бара, где Арт своей игрой зарабатывал на жизнь, не взял другого пианиста, возможно, у Дюка Эллингтона (Duke Ellington) появился бы серьезный конкурент. Но в том баре вакантным оставалось только место барабанщика - и Арт Блэйки освоил искусство игры на ударных.
Самым значительным периодом жизни для Блэйки, по его собственному признанию, были три года участия в биг-бэнде Билли Экстайна (Billy Eckstine). Именно этот опыт позволил ему попасть в число таких новаторов бибопа, как Чарли Паркер (Charlie Parker), Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespy) и Майлз Дэвис (Miles Davis). Вообще, Арту довелось играть почти со всеми звездами джаза; например, Блэйки считается одним из немногих барабанщиков, способных подстраиваться под крайне авангардистскую игру Телониуса Монка (Thelonius Monk). Да и сам Арт обладал фирменным стилем — это был не просто бибоп или хард-боп, его игру скорее можно определить как соул-джаз.
Арт Блэйки — своего рода миссионер джаза. Организованный им оркестр Jazz Messengers стал школой, через которую прошли десятки талантливых джазменов. Арт определенно обладал чутьем на подающих надежды музыкантов; как только юные дарования созревали для сольной карьеры, они покидали оркестр, и их место занимали новые таланты. "Выпускниками" Jazz Messengers стали, например, Ли Морган (Lee Morgan), Брэнфорд Марсалис (Branford Marsalis), Уинтон Марсалис (Winton Marsalis), Кёртис Фуллер (Curtis Fuller), Вуди Шоу (Woodie Shaw), а также российский трубач Валерий Пономарёв. Кроме того, Арт Блэйки гастролировал по всему миру, "насаждая" джаз в самых отдаленных местах. Например, в Японии после его гастролей джаз обрел такую популярность, что в Токио и нескольких других городах открылись филиалы популярного Нью-Йоркского джаз-клуба "Blue Note". Интересно, что во время своего путешествия по Африке Арт Блэйки принял ислам, поэтому полное имя великого джазмена стало звучать как Абдулла ибн Бухаина (Abdullah ibn Buhaina).

3. Бадди Рич (Buddy Rich)
На мой взгляд, мастер свинга Бадди Рич является в этом списке абсолютным рекордсменом. Сложно выделить хотя бы один параметр, по которому он уступал кому бы то ни было. Возраст, в котором он вышел на сцену? Родители Бадди, актеры водевиля, взяли его в свое представление танцевать степ и играть на барабане, когда тому было полтора (!) года.
Природное дарование? Бадди не только научился играть сам, претенциозно заявляя, что учеба может испортить его талант, но и мало репетировал, предпочитая тренировкам живые выступления перед публикой. Читать ноты он начал, уже освоив технику игры и выработав свой собственный стиль; учитель игры на ударных Генри Адлер (Henry Adler), с которым они вместе составили книгу "Buddy Rich's Modern Interpretation of Snare Drum Rudiments", долго открещивался от слухов, что именно он научил Бадди основам барабанного искусства.
Виртуозность? Считается, что ловкую, скоростную и мелодичную манеру игры Бадди Рича почти невозможно воспроизвести. Он пользовался сразу несколькими видами захвата барабанных палочек и свободно менял захват по нескольку раз во время игры. Кроме того, Рич владел техникой "перекрестного рифа", когда он, скрещивая руки, переходил с одного барабана на другой на высокой скорости. Обилие используемых приемов позволяло Бадди Ричу достигать невероятных эффектов при импровизации; его соло всегда развивается в непредсказуемом направлении — никогда нельзя быть уверенным, последует ли "взрыв" или, наоборот, мелодия упадет в плавный и тихий фрагмент. В начале 70-х Рич даже экспериментировал с рок-музыкой, чем снискал себе признание молодежной аудитории.
Лидерские качества? В 1966 году Бадди Рич осуществляет свою давнюю мечту — собрать крепкий биг-бэнд. Аранжировщиками в нем поработали Дон Менза (Don Menza), Билл Хольман (Bill Holman), Дон Себески (Don Sebeski) и Джон Ла Барбера (John La Barbera). Оркестр завовевал бешеную популярность, хотя к концу шестидесятых время биг-бэндов уже лет пятнадцать как прошло.
Разносторонний талант? В 1960 году Бадди выступает как вокалист, что восхищает даже Фрэнка Синатру (Frank Sinatra), с которым у Рича случались стычки. Характер у Бадди, надо сказать, был не менее непредсказуем, чем его соло-партии. На сохранившихся бутлегерских аудиозаписях есть отрывки, где Рич на чем свет стоит ругает своих музыкантов. А с обладателем черного пояса по карате лучше не спорить.
Можно также вспомнить, что Бадди Рич признан самым влиятельным барабанщиком всех времён по мнению журнала Rhytm Magazine. Очевидно же — практически каждый барабанщик, живший во время Бадди Рича или позже, называет его своим образцом для подражания. Но на фоне всего сказанного это выглядит чем-то самим собой разумеющимся.

4. Стив Гэдд (Steve Gadd)
“Каждый барабанщик хочет играть как Гэдд, потому что он играет безупречно... Он принес оркестровое и композиционное мышление в игру на ударных, и одновременно с этим обладает огромным воображением и огромными способностями к свингу” - такие слова о Стиве Гэдде приписываются легенде джаза Чику Кориа (Chick Korea). В этой оценке его поддержали ученый совет музыкального колледжа Беркли, присвоивший Гэдду степень доктора музыки за выдающийся вклад в современную музыку, а также десятки исполнителей, игравших вместе со Стивом или слушавших его игру. Кроме, пожалуй, Фрэнка Заппы (Frank Zappa), высмеявшего в песне "A Little Green Rosetta" статус Стива Гэдда как одного из самых высокооплачиваемых сессионных барабанщиков в популярной музыке.
Стив прославился прежде всего записями и выступлениями с музыкантами разных жанров: он играл джаз (свинг и бибоп), рок, блюз, ритм-энд-блюз. Начал он с того, что уже в одиннадцать лет аккомпанировал Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie), а после того как окончил Истменовскую школу музыки и отыграл три года в армейском оркестре, организовал трио вместе с Майком Холмсом (Michael Holmes) и Тони Левином (Tony Levin). Несмотря на выступления на площадках Нью-Йорка, Стив все равно остался студийным музыкантом — именно из-за нелюбви к гастролям он в свое время покинул команду Чика Кориа Return to Forever. Его барабаны звучат в записях Эрика Клэптона (Eric Clapton), Эла Ди Меолы (Al Di Meola), Пола Маккартни (Paul McCartney), Джона Бон Джови (John Bon Jovi), групп Bee Gees и Manhattan Jazz Quintet.
У Стива Гэдда есть чему поучиться. Его идеи по поводу расположения барабанов в ударной установке нашли свое воплощение в продукции Yamaha Drums. А после того, как к началу восьмидесятых он стал одним из самых популярных барабанщиков мира, компания Hudson Music выпустила две видеошколы — "In Session" и "Up Close", которые пользуются успехом и на сегодняшний день. Кстати, одним из советов начинающим ударникам от Гэдда могут стать занятия степом — отбивая чечетку еще в детстве, Стив развивал технику игры ногами, и, как видно, с достойным результатом.

5. Клайд Стабблфилд (Clyde Stubblefield)
Конечно, когда у микрофона появляется Джеймс Браун (James Brown), заметить на сцене кого-либо еще становится трудно: чернокожий певец оттягивает на себя абсолютно все внимание. Однако парень за ударной установкой по имени Клайд Стабблфилд не просто играет роль метронома для голоса Брауна. Стабблфилд считается самым сэплируемым барабанщиком мира — отрывок из его партии в записи ”Funky Drummer” сэмплирован и замиксован бессчисленное количество раз. Кроме того, такие синглы как "Cold Sweat", "There Was A Time", "I Got The Feelin'", "Say It Loud - I'm Black and I'm Proud", "Ain't It Funky Now", "Mother Popcorn" сразу после их релиза стали образцами для барабанщиков фанка.
У Клайда есть и своя команда - The Clyde Stubblefield Band, с которой он по понедельникам играет в Мэдисоне, штат Висконсин, где он поселился после того, как перестал выступать с Джеймсом Брауном; помимо этого он отстукивает джазовые ритмы на радио в юмористическом шоу Майкла Фелдмана (Michael Feldman) "Whad' Ya Know". Что касается сторонних проектов, упоминания заслуживает его запись вместе с Garbage на одноименном альбоме группы в 1995 году — Стабблфилд играет там в песнях "Queer" и "Not my idea".
Может показаться, что сделать самую сэмплируемую в мире запись — не Бог весть какая заслуга для барабанщика; можно заявить, что многие ударники талантливее и изобретательнее Клайда, а их творчество многограннее и техничнее. Но в недрах истории этот музыкант точно не исчезнет: барабанные палочки Клайда Стабблфилда хранятся в Зале Славы Рок-н-Ролла в американском городе Кливленд.

6. Ринго Старр (Ringo Starr), The Beatles.
Нет, разумеется, Ринго Старр никогда не был лидером The Beatles, как Чик Уэббс был лидером своего бэнда. Но разве, говоря о Beatles, можно выделить явного лидера? В самом деле, этих ребят знают, как "ливерпульскую четверку", а не как, скажем, "Джона Леннона и его команду". Все потому, что в самой известной британской рок-группе не было слишком явного "разделения труда" - в какой-то мере "все занимались всем", главным условием было соответствовать безумному духу четверки. Кстати, именно так Ринго и присоединился к команде - предыдущему барабанщику Питу Бесту (Pete Best) недвусмысленно дали понять, что он тормозит всю группу, да и вообще играет весьма паршиво.
Итак, Ринго принадлежат партии ударных во всех композициях Beatles за небольшим исключением вроде песен "Back to U.S.S.R.", "Dear Prudence" или "The Ballade of John and Yoko", где барабанными палочками орудовал Пол Маккартни. Но на этом роль Старра, конечно, не ограничивалась. Музыканты шутят, что слова барабанщика "Ребята, а почему бы нам не сыграть мою песню" обычно становятся для него последними. Beatles записали три таких песни - "Octopus's Garden", "Don't Pass Me By" и "What Goes On". Кроме того, практически на каждом альбоме Ринго Старр исполняет вокальную партию как минимум в одной песне; а в "Белом" альбоме их целых три: лид-вокал в "Good Night", уже упомянутой "Don't Pass Me By" и бэк-вокал в "The Continuing Story of Bungalow Bill". Отдельного упоминания заслуживает альбом "Ringo" 1973 года — попытка барабанщика собрать вместе вконец рассорившихся битлов. Попытка в музыкальном плане удачная, хотя одновременно в студии участники группы так и не присутствовали. Еще в личный зачет Ринго Старра стоило бы добавить его главные роли в фильмах Beatles, но сегодня мы говорим о музыкантах, а не об актерах.
Сольная карьера Ринго после распада Beatles началась с драматического падения. Его первые альбомы "Sentimental Journey" и "Beacoups Of Blues" были признаны провальными - особенно на фоне сольных успехов Джона, Пола и Джорджа. Семидесятые вообще не принесли ему успеха, а альбом "Old Wave" в 83-м не взялась записывать ни одна студия. Конец карьеры? Не дождетесь! В 89-ом Ринго издает "Starr Struck" - сборник своих лучших песен, а вскоре собирает All-Starr Band, первый состав которого включал в себя Билли Престона (Billy Preston), Левона Хелма (Levon Helm), Джо Уолша (Joe Walsh), Нильса Лофгрена (Nils Lofgren), Рика Данко (Rick Danko), Кларенса Клемонса (Clarence Clemons) и Джима Келтнера (Jim Keltner). "Звездная команда" до сих пор временами записывает диски и с успехом гастролирует по миру - в девяносто восьмом их занесло и в Россию. Теперь нам остается только ждать "второго пришествия" десятого по счету состава группы.

7. Джон Бонэм (John Bonham), Led Zeppelin
"Идеальный пример для всех барабанщиков хард-рока" по мнению Encyclopædia Britannica и обладатель первой позиции в списке лучших рок-барабанщиков всех времен по версии журнала Classic Rock, Джон "Бонзо" Бонэм никогда не брал регулярных уроков игры на ударных. При этом его манеру игры называют энергичной, техничной и даже гипнотической. До вступления в Led Zeppelin Бонэм попеременно участвовал в многочисленных бирмингемских командах, в числе прочих отметившись в блюз-бэнде Crawling King Snakes; вокалистом этой группы в то время был Роберт Плант (Robert Plant). Именно Плант приведет Бонэма в Led Zeppelin, где тот и раскроет свой талант в полную силу.
Стиль Бонэма виден уже с самых ранних альбомов Led Zeppelin, когда он начнет использовать ударную установку Ludwig, которой не изменит до конца жизни. "Жесткой" игра Бонэма казалась благодаря тяжелым и длинным палочкам; сам Джон называл их "деревьями". А иногда он и вовсе обходился кистями рук, например в его знаменитых соло в композиции ”Moby Dick”, которая на концерте могла растянуться до получаса. Со временем Бонэм начнет добавлять в свою музыку совсем уж нестандартные для хард-рока элементы — фанк, латинскую перкуссию ("Royal Orleans", "Fool in the Rain"), а особенно въедливые эксперты замечали даже влияние на барабанщика стиля африканских шаманов - Бонзо играл с малозаметным опережением общего ритма. Кроме того, во время турне 1969 года он начнет расширять свою ударную установку за счет симфонического гонга, оркестровых литавр и этно-инструментов.
Интересно, что сам Джон всегда относился к своим способностям с долей критики. В одном из старых интервью, поднятых из архивов журналом DRUM! в феврале 2008 года, Бонзо говорит: "Я никогда сознательно не пытался быть лучшим барабанщиком и я не хочу этого. Ко мне подходят дети и говорят: "полно барабанщиков, которые лучше тебя" или нечто вроде того. Но я люблю играть так хорошо, как только позволяют мне мои способности, и я занимаюсь этим только по этой причине. Я не стараюсь быть более захватывающим, чем Бадди Рич. Но я не играю то, что мне не нравится. Я простой, прямолинейный барабанщик <...> Я смотрю, как играют в группах другие ударники и всегда учусь у них".
И хотя он не пытался быть лучшим ударником в мире, после трагической смерти Бонзо в 1980 году участники Led Zeppelin посчитали, что замены ему они не найдут. Группа объявила музыкальной общественности: "горечь утраты, уважение к семье нашего дорогого друга, а также чувство неделимой гармонии, которое объединяло нас пятерых вместе с менеджером, привели нас к решению, что мы не сможем продолжать".

8. Дэйв Грол (Dave Grohl), Nirvana, Foo Fighters.
Дэйв Грол — обладатель второго места в списке 50 лучших барабанщиков рока по версии журнала Classic Rock, где он стоит сразу после Джона Бонэма. При этом Бонэм был для Дэйва Грола образцом для подражания, музыкантом, во многом повлиявшим на его стиль игры. Грол даже скопирует себе татуировку Бонэма — три перекрещивающихся круга на запястье.
Конечно, Дэйв Грол знаменит прежде всего как самый "долгоиграющий" барабанщик Nirvana, где он на пару с басистом Крисом Новоселичем (Krist Novoselic) на удивление Курту Кобейну (Kurt Cobain) со временем начнет писать песни. Часть этих песен позже войдет в первые альбомы нового проекта Грола - Foo Fighters.
Поразительно, как в Дэйве сочеталась ответственность, если дело касалось работы, и раздолбайство, если речь шла обо всем остальном: во время работы над вторым студийным альбомом Foo Fighters "The Colour and the Shape" Грол, будучи гитаристом, вокалистом и фронтменом команды, заставлял барабанщика Уилла Голдсмита (William Goldsmith) переигрывать партию ударных несколько десятков раз, а затем все равно выгнал беднягу и перезаписал альбом без него. И тот же Грол, когда Кобейн и Новоселич пригласили его на свой концерт в Сиэттле перед тем, как взять к себе в группу, отнесся к их выступлению так же, как в свое время к школьным занятиям — проторчал с друзьями на улице, поленившись зайти внутрь.
А еще Дэйв Грол отметился в истории музыкального бизнеса уникальным достижением. В американском чарте Billboard Modern Rock он практически полгода (с октября 2002 по март 2003) занимал первую строчку весьма оригинальным образом: сначала эту позицию завоевала песня "You Know You’re Right" группы Nirvana, затем ее надолго сместила композиция "All My Life" от Foo Fighters, а последний месяц на первом месте топа красовалась "No One Knows", записанная Queens of the Stone Age. Как непосредственный участник первых двух команд и добровольный помощник в третьей, Дэйв Грол имел прямое отношение к созданию всех трех песен. Как видно, талантливый ударник может играть не только на пяти барабанах и трех тарелках одновременно, но и как минимум в трех группах разом.

9. Кит Мун (Keith Moon), The Who
Когда начинаешь рассказывать о барабанщике The Who, никогда не знаешь, с чего лучше начать - с образа эксцентричного и необузданного психа, который Мун старательно поддерживал и лелеял всю жизнь, или с его не менее буйных творческих успехов. Все это вместе помогло создать Киту Муну репутацию одного из величайших барабанщиков мира, которая занесла его в Зал Славы Рок-н-ролла и поставила на третье место в списке 50 лучших барабанщиков рок-музыки.
Вклад Муна в рок-музыку соразмерен с вкладом Джина Крупы в джаз — Кит вывел ударную партию на первый план, тем самым подняв значимость роли ударника в команде. Удалось это сделать благодаря новаторским приемам Муна: он выполнял офф-биты (второй и четвёртый бит в такте) на малом барабане, после чего резко переходил на парадидлы; или мог сыграть крещендо сверху вниз по звуковому ряду барабанной установки. Саму же установку приходилось или прибивать гвоздями к полу, или привязывать веревками к стойкам - тогда от бешеного напора она ломалась хотя бы в финале концерта, а не в начале его. В составе The Who Кит Мун иногда исполнял и вокальные партии - например, в песнях "I Need You" (автором которой сам и являлся), "Bucket T", "Barbara Ann", "Bell Boy" и других. Сольную же карьеру критики оценивали намного сдержаннее: альбом 1975 года "Two Sides of the Moon" так и вовсе был воспринят как наркотический бред.
Наркотики Кит Мун и в самом деле принимал помногу, в самых экзотических комбинациях и с удовольствием; это не считая серьезной алкогольной зависимости и предполагаемого пограничного расстройства личности. Поэтому неадекватные выходки барабанщика прославили его еще больше, чем музыкальные таланты. Например, The Who на гастролях всегда было сложно забронировать место в отеле: все из-за фирменной привычки Кита бросать динамит в унитазы и восторженно наблюдать за полетом кусков фарфора. Взбешенные менеджеры гостиниц привозили чемоданы группы прямо на концертную площадку, после чего группу не пускали ни в один отель города. Погиб самый эксцентричный барабанщик рока в 32 года, приняв залпом 32 таблетки, выписанные ему против алкоголизма. На его месте в The Who побывают разные музыканты, в том числе и Зак Старки (Zack Starkey) - сын Ринго Старра. Однако на высоту, достигнутую при Ките Муне, The Who больше никогда не поднимутся.

10. Стюарт Коупленд (Stewart Copeland), The Police
Стюарта Коупленда с его нестандартной манерой игры можно назвать одним из самых креативных барабанщиков рок-сцены: он все делал слегка не так, как полагается среднестатистическому рок-барабанщику. Всегда бросалась в глаза его техническая подкованность — в игре Стюарта, начиная с самых ранних записей The Police, отчетливо заметно влияние джаза и регги, а именно страсть к синкопированию. По распространенному мнению, Коупленд был первым, кто использовал так называемые "подвесные тарелки", сплэш; и даже барабанные палочки он держал по-своему: слегка модифицировав "традиционный" захват, который и сам по себе не слишком популярен у рок-барабанщиков.
Широкий музыкальный кругозор в случае Коупленда неудивителен: Стюарт рос в семье, где отец был джазовым музыкантом (а заодно и агентом ЦРУ — совмещал приятное с полезным), а дети заслушивались музыкой круглые сутки и сами пытались играть на разных инструментах. Впрочем, старшие братья оказались в этом плане бездарными, и Стюарт, четвертый ребенок в семье, еще малышом ползал среди брошенных братьями музыкальных инструментов. Примерно в шесть лет он, к великой радости отца, подобрал тромбон; а к тому моменту, как встретил Стинга (Sting) и наставил того на путь рока в The Police, Коупленд был уже искусным музыкантом. При этом, несмотря на собственную синкопированную игру, Коупленд часто отзывается о джазе с презрением. В интервью для JamBase в 2007 году он сказал: "Майлз Дэвис — по большей части дерьмо... Если для блюза нужен талант, нужен Икс-фактор, нужно сердце, нужно прожить жизнь..., то джаз может играть каждый дурак, надо только много практиковаться".
Игра в The Police - далеко не единственное дело, в котором Коупленд успешно себя реализовывал (в общем-то, группа распалась как раз потому, что людям с таким огромным творческим потенциалом, как Коупленд, Стинг и Энди Саммерс (Andy Summers) приходилось слишком часто идти на компромисы, играя вместе). Он записывал успешные виниловые альбомы под псевдонимом Кларк Кент (Klark Kent), а сингл ”Don't Care” вошел в топ чартов Великобритании в 1978 году. Уже после распада The Police он записал на редкость удачный альбом "The Rhythmatist", насыщенный влиянием этно-музыки; за музыкальными впечатлениями в Африку Коупленд ездил лично. Кроме того, Стюарт Коупленд написал десятки саундтреков для фильмов и телепостановок, среди которых были "Бойцовая рыбка" Фрэнсиса Форда Копполы и "Ничего не вижу, ничего не слышу" Артура Хиллера. Кстати, собственный фильм Коупленда "Everyone Stares: The Police Inside Out" о его совместной работе со Стингом и Саммерсом в The Police тоже можно рекомендовать для просмотра ценителям рока.

11. Фил Коллинз (Phil Collins), Genesis.
Возможно, писать здесь о Филе Коллинзе не очень честно - все-таки искусство ударника было далеко не основной причиной его славы. Но мы и не ставим перед собой задачу составить топ-лист лучших барабанщиков мира - с этим и без нашей помощи превосходно справились все профессиональные чарты. Тем не менее, Коллинз пришел в гэбриэловский Genesis именно как "ударник с хорошим чувством акустики", как того требовало объявление в музыкальном журнале Melody Maker. Когда Питер Гэбриэл (Peter Gabriel), сказав нечто туманное о "клетке успеха", в которой оказались заперты Genesis, покинул группу ради сольной карьеры, имевший опыт бэк-вокала Фил занял его место на позиции фронтмена и вокалиста.
Обойтись без сравнения Питера и Фила крайне сложно: кто-то скажет, что без Гэбриэла Genesis “уже совсем не тот”, но мало кто возьмется спорить с тем, что Genesis Коллинза нашел свой собственный путь к успеху. Сам Гэбриэл на концерте сводного состава группы в 82-м году заметил, что Коллинз поёт "лучше" него, хотя при этом "не вполне как он". Интересное совпадение: по идее Коллинза был снят клип к песне "Land of Confusion" (про холодную войну и с куклой президента США Рейгана в костюме Супермена); видео номинировали на награду канала MTV, и единственный клип, которому удалось обойти творение Genesis и взять приз, был "Sledgehammer" Питера Гэбриэла.
Фил Коллинз — музыкант невероятно энергичный: не переставая работать с Genesis, он записывал потрясающе успешные сольные альбомы. Первая же сольная работа Коллинза, ”Face Value”, побивает все рекорды и тиражами превосходит альбомы Genesis. Вообще, за всю свою историю Genesis только один раз попадает на вершину американского чарта продаж Billboard Hot 100, в то время как Фил в одиночку покоряет топ семь раз: с синглами "Against All Odds" (1984), "One More Night" (1985), "Sussudio" (1985), "Separate Lives" (1985), "A Groovy Kind of Love" (1988), "Two Hearts" (1988) и "Another Day in Paradise" (1989). Кстати, последний его альбом "Going Back" вышел совсем недавно, релиз состоялся в сентябре этого года. На этой пластинке — кавер-версии хитов 60-х, так что час добротной ностальгии обеспечен, ведь Фил хотел, ”чтобы песни звучали в точности так же, как оригиналы".

12. Рик Аллен (Rick Allen), Def Leppard
И все-таки главный инструмент барабанщика — это не палочки и даже не ударная установка (отбивать ритм можно и ладонями на жестяных кастрюлях), а собственное тело. Как минимум, голова и две руки. Впрочем, Рик Аллен из Def Leppard прекрасно обходится и одной рукой, правой.
Рик - человек, для которого слова "играть на ударных" и "жить" означают примерно одно и то же. Первую барабанную установку десятилетнему музыканту купили родители, когда всю домашнюю посуду уже невозможно было использовать по назначению после регулярных музыкальных "репетиций" сына. В Def Leppard Аллена взяли в 1978-ом, когда ему было пятнадцать; через год он бросит школу, чтобы посвятить себя музыке. Стоит в очередной раз заметить, как парню повезло с родителями: Рик вспоминает, что "мама приняла это всерьез. Она действительно пошла в школу и сказала: "Вы знаете, что у него есть работа, и, я думаю, мы должны отпустить его из школы"". Первые контракты с лейблами Phonogram (Великобритания) и Mercury (США) за Рика подписывал его отец — несовершеннолетний барабанщик этого сделать не мог.
31 декабря 1984-го, в самый канун нового года с Риком произошло то, после чего большинство музыкантов бросили бы карьеру и тихо спились в глухом баре. Аллен возвращался с новогодней вечеринки на своем леворульном Шевроле Корвет. Когда его обогнал спортивный Альфа-Ромео, Аллен воспринял это как вызов на гонку и вдавил педаль газа в пол. Закончилось соревнование плачевно - автомобиль въехал в каменную стену, а непристегнутого Аллена вышвырнуло из машины, оторвав левую руку. Даже после нескольких операций руку вернуть не удалось.
Впавшего в депрессию, но продолжавшего упорно выстукивать ритмы ногой по больничной кровати Рика регулярно навещал вокалист Def Leppard Джо Эллиот (Joe Elliott). С помощью инженеров им удалось сконструировать акустическую ударную установку с дополнительными педалями для левой ноги, которые заменяли функции потерянной руки. На этом изобретении Рик Аллен вскоре начал заново учиться играть. А барабанщик Джеф Рич (Jeff Rich) из Status Quo помог разработать электронный вариант барабанной установки, которую британская компания Simmons выпустила специально для Аллена. Через три года появился результат - Def Leppard со своим бессменным ударником записывают альбом "Hysteria", разошедшийся по миру тиражом более 20 миллионов копий. Сейчас Рик Аллен играет на полуакустической ударной установке с четырьмя педалями для левой ноги и стал седьмым в списке ста величайших барабанщиков всех времен по мнению версии американского онлайн-журнала Gigwise.

13. Грэм Эдж (Graeme Edge), Moody Blues
Однако Рик Аллен был далеко не первым, кто начал играть на электронных ударных. К тому времени как компания Simmons запустила в производство “первую полностью электронную ударную установку” SDS-V, состоявшую из ставших классическими шестиугольных пэдов, и испытала ее в песне "Chant No. 1 (I Don't Need This Pressure On)" новых романтиков Spandau Ballet's, электронные ударные уже имели короткую, но значительную историю. И началась эта история с человека по имени Грэм Эдж, барабанщика группы Moody Blues.
Вместе с профессором Сассекского университета Брайаном Гроувсом (Brian Groves) Эдж создал первую электронную ударную установку, которая зазвучит в песне “Procession” из альбома "Every Good Boy Deserves Favor" 1971 года. "Это были времена без микрочипов, когда все делалось на транзисторах, - рассказал Грэм в одном из своих интервью. - В ней [установке] их было около 500. Электронные барабаны изнутри выглядели как спагетти". Позже Грэм Эдж станет также одним из первых ударников, кто опробует в деле первую "коммерческую" электронную установку Syndrum от Pollard Industries , в том числе и для своей собственной команды The Graeme Edge Band, которую он основал в 1975 году.
Грэм Эдж стал прародителем уникального явления в музыке. Первые электронные барабаны не имели целью, да и не могли по техническим причинам полностью заменить своих акустических предшественников. Однако уже упомянутая SDS-Vот Simmons, хоть и калечила запястья музыкантам своими жесткими пэдами, уже сочетала в себе электронные аналоги всех элементов обычной ударной установки. С изобретением звуковых процессоров появилась возможность извлекать сотни и тысячи разных звуков, не меняя инструмента, а современные установки даже отличают удар в центр пэда от удара по его краю. Впрочем, противники электронных ударных, считающие их пластмассовыми игрушками, тоже во многом правы - игра на резиновых или даже кевларовых пэдах никогда не сравнится с игрой на акустическом инструменте. Имитация всегда останется имитацией, даже если она технически совершенна.

14. Дэйв Ломбардо (Dave Lombardo), Slayer
А теперь перейдем к музыке потяжелее. Если спросить у метал-барабанщика (например, из групп Cannibal Corpse, Slipknot или Cradle of Filth), кто из их коллег производит на них наибольшее впечатление, с большой вероятностью вам назовут имя Дэйва Ломбардо. У Ломбардо - ритмичный и агрессивный стиль игры, многие его приемы были для металла новаторскими. Интересно, что далеко не все его поклонники знают (или знают, но отказываются в этом сознаваться), что "крестный отец двойной бас-бочки" в подростковом возрасте вдохновлялся не только боевиками Kiss и Led Zeppelin, но и музыкой диско… и даже недолгое время был диджеем под именем A Touch of Class. И все же из диско он вынес самое полезное - идеальное чувство ритма.
Все знают Дэйва как барабанщика Slayer; с ним команда записала десять альбомов, в том числе революционный "Reign In Blood" (1986) и последний на сегодняшний день "World Painted Blood" (2009). В этом сотрудничестве был десятилетний перерыв - барабанщик не всегда ладил с фронтменом Керри Кингом (Kerry King) и к тому же в начале карьеры упорно отказывался от многообещающих гастролей - мешали то работа, то рождение дочери. Однако когда Кинга в интервью спросили, насколько талантлив Дэйв, тот ответил: "Ему даже не требуется стараться. Он приходит за 10 или 15 минут до выхода на сцену и не разогревается. Просто выходит и делает это, а мы с Джеффом [Ханнеман (Jeff Hanneman), гитарист] разогреваемся по часу". За то время, пока он не был членом Slayer, Дэйв успел поиграть в Grip Inc. и Fantomas, записать пять треков вместе с Apocalyptica для их альбома "Reflections" (2004) и даже поучаствовать в создании альбома с итальянским классическим музыкантом Лоренцо Арруга (Lorenzo Arruga) на основе "Времен года" Вивальди.
Но все-таки далеко не все признают в метал-барабанщиках серьезных музыкантов. В интервью для портала Exclaim Дэйв вспоминал забавный случай, когда он встретил Боно (Bono) из U2: "Он был с Гвен Стефани (Gwen Stefani). Я подошел к нему и сказал, "Хэй, я Дэйв Ломбардо из Slayer". И он ответил, "Ты барабанщик, верно?", я говорю "Ага". Потом он просто сказал "О...". И на этом все кончилось".

15. Ларс Ульрих (Lars Ulrich), Metallica
Датчанин по происхождению, Ларс Ульрих имел все шансы стать... профессиональным теннисистом, причем высокого класса! В датской юношеской лиге тенниса он имел довольно высокий рейтинг, кроме того, на спортивной карьере сына всегда настаивал его отец. И если бы не близкое знакомство с британской метал-группой Diamond Head, Ларс Ульрих не подал бы объявление в газету The Recycler, не познакомился бы с Джеймсом Хэтфилдом (James Hetfield) и Metallica не образовалась бы вовсе. Даже своим названием команда обязана Ульриху: он увел слово "Metallica" у своего друга, Рона Квинтаны (Ron Quintana), который придумывал название новому журналу о хэви-метале. Журнал Квинтаны стараниями Ларса стал называться Metal Mania.
Стиль игры Ларса Ульриха менялся вместе со стилем самой “Металлики”. В 80-х он был известен своей быстрой агрессивной техникой и, подобно Дэйву Ломбардо, тоже использовал прием "двойной бас-бочки". Особенно это заметно в таких хитах Metallica, как "Battery" и "Damage, Inc." из альбома "Master of Puppets" (1986), "Blackened", "One" и "Dyers Eve" из альбома "...And Justice for All" (1988). После он упростит свои ритмические рисунки в 90-х и начале 2000-х, но вернется к более быстрым и сложным ритмам 80-х в новом альбоме "Death Magnetic" (2008). Конечно, сложно говорить о том, что Metallica стала совсем такой же как и раньше, но в "All Nightmare Long" старые добрые "двойные бас-бочки" Ульриха появляются снова.
Для Metallica Ларс не только барабанщик, но и рупор мнения всей команды. Музыкальные журналисты, которым довелось брать интервью у группы, соглашаются в том, что Ларс говорит много и за всех. Видимо так он реализует принцип открытости Metallica перед своими слушателями: "С самого первого дня Metallica была за открытые отношения со своими фанами. В отличие от групп вроде Led Zeppelin, которые пытались сохранить таинственность, мы делаем все, чтобы быть настолько доступными, насколько это возможно".

16. Карлтон Барретт (Carlton Barrett), The Wailers
Так уж получилось, что большинство упомянутых нами музыкантов оказываются, как правило, уроженцами США или Британских островов. Или, как Ларс Ульрих, мигрируют туда со временем. Сделаем шаг в сторону от англосаксонской культуры и переместимся на Ямайку, где среди дыма от марихуаны и растафарианцев-последователей Джа родился Карлтон Барретт - барабанщик, знаковый для такого стиля как регги. Большинство людей знают Карли как ударника знаменитых The Wailers, где он играл вместе с своим братом-басистом Астоном, но его музыкальная карьера началась несколько раньше. Вдохновляясь ска-ритмами, а в частности игрой ударника Ллойда Книбба (Lloyd Knibb) из The Skatalites, братья создают команду The Hippy Boys, записываются с разными музыкантами, например, вокалистом Максом Ромео (Max Romeo), и в конце концов начнут сотрудничать с известным регги-продюсером Ли Перри (Lee "Scratch" Perry). Именно вместе с Перри они запишут ряд инструментальных партий, таких как "Clint Eastwood", "Cold Sweat", "Night Doctor" и "Live Injection", но уже под другим названием - The Upsetters.
Кроме того, Ли Перри познакомил братьев с Бобом Марли (Bob Marley) и его The Wailers, в составе которых Карлтон напишет для Марли такие хиты, как "War" и "Talkin' Blues". Но знаковым для регги музыкантом Карлтона Барретта я считаю по другой причине. Он популяризовал (а, возможно, и изобрел — об этом спорят) новый для регги и рокстеди ритм игры на барабанах - "one-drop", где малый и бас-барабан вступают в игру только один раз в такт, на третьей доле из четырех; в традиционном для регги ритме по этим барабанам ударяют два раза. В стиле, который сам по себе основан на ударном ритме, это весьма значительное достижение. Стоит послушать, например, песню Боба Марли "Running away" и сравнить ритм с композициями ранних The Wailers — разница есть, и серьезная.
Карлтон Барретт принимал участие во всех записях The Wailers, начиная с 1969 года, за исключением "Soul Shakedown Party", где барабанные партии исполнял Лесли Конг (Leslie Kong), и даже участвовал в туре команды после смерти Боба Марли в 1981-м. Шестью годами после этого тура Карлтон погибнет сам — получит две пули в голову. Виновными в смерти музыканта признают его жену Альбертин и ее любовника - таксиста Гленроя, нанявших киллера. Заговорщиков, однако, осудят только по семь лет тюремного заключения, а через год и вовсе выпустят на свободу.

17. Ллойд Книбб (Lloyd Knibb), The Skatalites
"Если попросту считывать партии барабанов с листа, то получается слишком уж "в лоб". А ведь играть музыку – это нечто большее. Когда просто следуешь заданной партии, это делает тебя ленивым. К счастью, в ска не приходится слишком усердно использовать мозги, потому что эта музыка идет от сердца". Так охарактеризовал стиль ска, пожалуй, величайший барабанщик Ямайки Ллойд Книбб. Если Карлтона Барретта можно считать самым влиятельным ударником зрелого периода регги, то Книбб, как "отец ска", имеет непосредственное отношение к самым истокам регги и всей аутентичной ямайской музыки. До появления в начале шестидесятых легендарной команды The Skatalites, участием в которой Книбб и прославился, вся популярная музыка Ямайки в точности копировала американский ритм-энд-блюз.
Научившись играть на дешевых барабанах из козлиной и пеликаньей кожи и прошедших через десятки рук надтреснутых тарелках, проработав около пятнадцати лет в разных коллективах родного города Монтего-Бей, Книбб переезжает в столичный Кингстон. Примкнув к The Skatalites, он становится одним из студийных музыкантов знаменитой Studio One. Продюсер Коксон Додд (Coxsone Dodd) посоветовал Ллойду сменить приевшийся всем r'n'b-ритм, и Книбб, сыгравший к тому времени бесчисленное количество латиноамериканских мелодий, сместил бас на вторую и четвертую доли такта. Так родился ска-бит — ритмическая основа для регги и национальная черта ямайской музыки, замешанной на джазе, ча-ча-ча и болеро, и при этом не похожей ни на что в отдельности.
Кстати, Книбб, как предшественник и во многом учитель Барретта, не признает за последним изобретения стиля “one-drop”. В ходе интервью на робкое замечание журналиста из "Modern Drummer" Ллойд Книбб, усмехаясь, заявляет: "Не, парень! Карли Барретт и Слай Данбар (Sly Dunbar), бывало, сиживали у нас на эстраде еще мальчишками. Всё это они все узнали от меня. Карли раньше постоянно устанавливал мои барабаны". Возможно, это и правда; но спорить об этом — все равно, что выяснять какая из команд, The Skatalites или The Wailers, наиболее символична для ямайской культуры — бесполезно, хотя многие пробуют.

18.Тони Аллен (Tony Allen)
Регги - далеко не единственный и, возможно, даже не самый яркий пример того, как создание нового ударного ритма порождает целое музыкальное направление. Вспомним нигерийских барабанщика Тони Аллена и мультиинструменалиста Фела Кути (Fela Kuti), создавших на основе американского джаза, фанка, ритм-энд-блюза и традиционных африканских high life и juju собственное звучание, получившее название афробит. И это в то время, когда о коммерческой world music речь еще не шла. Это был в высшей степени оригинальный для 70-х годов бит - моторный, но при этом полифоничный и ненавязчивый. Кроме того, стоит понаблюдать за живым выступлением Тони Аллена; изобретатель афробита играет не всем телом, а только руками и ногами, причем каждая конечность занята собственным ритмом. Сам Аллен по этому поводу говорит: ”Это движение всем телом никуда не годится. Из-за него ты не успеваешь думать. Когда барабанщики используют своё тело слишком энергично, они вынуждены меньше думать. У тебя появляется возможность что-то придумать, только когда ты расслаблен”.
Подавляющее большинство записей Аллена — это его игра с оркестром Afrika'70, где он был музыкальным руководителем. Пластинки выходили чаще всего под именем Фела Кути, но иногда и Тони Аллена — по сути это была группа с двумя лидерами. Из-за остросоциальных текстов Afrika'70 постоянно преследовалась нигерийскими властями; протестная тематика была движущей силой этой команды. Тони Аллен покинет группу в 1979 году, когда на турне вместе с Afrika'70 начнут ездить несколько десятков “сочувствующих” людей, не участвующих в представлении, а собственно для развития афробита места уже не останется. Позже Тони Аллен создаст свою группу Afro Messengers (да-да, Аллен слушал Арта Блэйки).
Характер афробита в творчестве Тони Аллена будет постоянно развиваться. Звучали десятки возмущенных отзывов, что в альбоме ”Black Voices” (2000) афробит уже совершенно другой, не говоря уже о более поздних экспериментах с фьюжном. Действительно, другой. Но, как Тони Аллен ответит на упрекив интервью, опубликованном в этом году в The Afrobeat Blog, “Я же не могу играть одно и то же дерьмо все время, правда? Я должен создавать что-то новое, примут это люди или нет. Я просто двигаюсь вперед, вот и все”. Оценить движение вперед можно, послушав последний альбом Аллена - ”Secret Agent”, вышедший в 2009 году.

Говоря об искусстве ритма и барабанной музыке, сложно обойти вниманием такой широкий и разнообразный жанр как "world music". И хотя под этим словом сейчас подразумевают все подряд - от балканского фолка до тувинского горлового пения - представить себе этно-музыку без перкуссии почти невозможно. Выявлять лучших этно-перкуссионистов мира - задача крайне масштабная: сотни традиционных ударных инструментов, десятки традиций и стилей, которые сравнивать между собой как минимум странно. Так что напоследок я остановлюсь на двоих просто талантливых перкуссионистах, которые отлично справляются и с классической западной барабанной установкой.

19. Трилок Гурту (Trilok Gurtu)
Трилок Гурту - индийский перкуссионист из Мумбаи с изобретательной и гиптнотизирующей манерой игры. Подтвердить это могут загипнотизированные им джазмены Джо Завинул (Joe Zawinul), Джон МакЛафлин (John McLaughlin), Билл Эванс (Bill Evans), известный этно-музыкант африканец-альбинос Салиф Кейта (Salif Keita) и тувинцы Хуун-Хуур-Ту - со всеми этими исполнителями Гурту выступал или делал совместные записи.
Музыка Трилока Гурту — это безумная смесь из сразу нескольких индийских направлений, джаза, рока, классики и многих других мотивов; здесь термин "world music" подходит идеально - Гурту начал свое обучение ударным с индийского инструмента таблы, а позже усердно изучал западные музыкальные традиции. В его арсенале даже есть особенная ударная установка, собранная из индийских и западных барабанов. Интересно, что именно такая эклектика и страсть к экспериментам привели к полному неприятию творчества Гурту на родине. Дебютный сольный альбом "Usfret" встретился с жесткой критикой в Индии, где Трилока обвиняли в том, что он не сохраняет "чистоту" звука; критики не переваривали импровизаций Гурту. Избавиться от ярлыков ему удалось только путешествуя по миру, участвуя в разных проектах и записываясь в десятках разных студий. Например, в качестве члена весьма популярной группы Oregon, Гурту принял участие в записи таких альбомов этой команды как "Ecotopia" (1987), "45th Parallel" (1989), и "Always, Never and Forever" (1991); а его последний сольный альбом "Massical" (2009) собирался по частям в студиях Италии, Германии и Индии.
Самым большим успехом Трилока Гурту был, пожалуй, альбом 2002 года "Remembrance". После успешного тура в поддержку альбома по Европе с участием Шанкара Махадевана (Shankar Mahadevan), Закира Хуссейна (Zakir Hussain), Рону Майумдара (Ronu Majumdar) и матери музыканта, певицы Шобхи Гурту (Shobha Gurtu), на Трилока посыпались положительные отзывы в таких престижных изданиях, как The Times, Daily Express, The Guardian, Q, Songlines, а сам он был номинирован на BBC World Music Awards. Кстати, призов и номинаций у Гурту немало — в разные года он был признан лучшим перкуссионистом по версии Drum Magazine, Carlton Television и Down Beat's Critics Poll.

20. Джонни Калси (Johnny Kalsi)
А завершить этот материал (завершить — не означает поставить на последнее место) нам бы хотелось еще одним виртуозным и творчески продуктивным этно-перкуссионистом - Джонни Калси. Калси - британец, но, как и Трилок Гурту, родился в Индии. Родители прочили Джонни карьеру юриста или врача, однако вместо этого он стал участником двух, вероятно, самых уникальных проектов в жанре world music.
Как правило, имя Калси связывают с эклектичным коллективом Afro Celt Sound System; группой, которая своим существованием доказывает, что для серьезного и талантливого музыканта невыполнимых задач не существует. Как видно уже из названия, этой команде удалось найти точки соприкосновения между кельтской и африканской этно-музыкой. Полученный гибрид вышел на удивление органичным и вместе с этим универсальным: композиции Afro Celt Sound System могут настроить слушателя на лиричный, торжественный или игривый лад, а в альбоме "Anatomic" (2005) так и вообще есть треки, которые можно назвать "клубным" или "танцевальным" фолком.
Но личной заслугой Калси является The Dhol Foundation - культурный фонд, барабанная труппа и школа игры на инструменте дхол (большой двухсторонний барабан, одна мембрана которого толще другой). Джонни Калси популяризовал этот инструмент, начав выступать с ним вместе с модными диджеями, а 1989 году он был единственным, кто преподавал уроки игры на дхоле. В 1999-м The Dhol Foundation записывают свой первый альбом "Big Drum Small World", который тут же нашел себе позитивные отзывы; а основанная Питером Гэбриэлом организация World of Music, Arts and Dance и сейчас с гордостью принимает группу Калси на своих фестивалях. Кстати, вместе с Гэбриэлом они сотрудничали при записи саундтреков к фильмам "Последнее искушение Христа" и "Клетка для кроликов", а поклонники Мартина Скорсезе слышали барабаны Калси на аудиодорожке к фильму "Банды Нью-Йорка". Сейчас Джонни Калси живет в Лондоне; и если в ближайшее время в мировой этно-музыке появится какой-либо действительно оригинальный проект, его стоит ждать именно оттуда.